情家みえ / エトレーヌ

Track 1「CHEEK TO CHEEK - チーク・トゥ・チーク」

小原由夫先生

ワンテイク録音という手段は、端的に言えば演奏家の“乗りの良さ”に尽きる。ここでの演奏全体の捉え方は、スウィング感というよりは、スキップしたくなるような溌剌としたリズム感を尊重したまとめ方がキーポイントになるように思う。

ベースは鈍重にならずにピッチを正確に。ドラムはブラシの質感を細やかに出したい。

ピアノはスウィンギーなメロディーラインをくっきり輝かせたいところだ。

肝心の声は、鮮明な発声を“ほどよいサイズ感”で明確に定位させたい。

和田博巳先生

明快かつストレートな録音ではあるが、この「CHEEK TO CHEEK」は再生がちょっとだけ難しく注意されたい。

まず音質傾向だが、これ以上明るくなり過ぎない素直な再生が求められる。というのも、主役のヴォーカルが声を張り上げた時に、若干硬質感が顔を覗かせるので。

とは言え、その声の硬質感（張り）を抑え過ぎると今度はピアノの彫琢感が失われる。その兼ね合いがけっこう難しい。

長谷川教通先生

まさにジャズ・ヴォーカルの基本形のような録音です。

3つの楽器は互いにオーバーラップしながら自然なバランスで定位し実在感のある空間を作っています。あえて作為的な定位を感じさせないところが名エンジニアの手腕。まず出だしの伸びやかで柔軟なウッドベースがポイントです。この表情が寸詰まりになってしまわないようにサブウーファを適切にコントロールしましょう。

そして「Heaven」とエッジの効いたボーカルは入るとゾクッとします。ちょっと硬いかな……でも「I’m in heaven」と徐々にほぐれていきます。2度目の「Heaven,I’m in heaven」ではずいぶん表情がかわります。情家みえの喉が震えるような感触を出したいですね。薄っぺらな声では彼女の情感が再現できません。

山本剛のピアノがいいですね。スタインウェイでしょうか。ブリリアントな音色とタッチの多彩さが明瞭に録音されて、じつに表情豊かです。ジャズの録音らしく、マイクの位置はかなり近いですから硬質な打鍵音も含まれています。だからといってキンキンな音色にしてしまったら、せっかくの「大人の雰囲気」が壊れてしまいます。

麻倉怜士先生

「アメリカのシューベルト」と言われた、アーヴィング・バーリンの作詞、作曲。1935年のアメリカ映画「トップ・ハット」でフレッド・アステアが踊りながら歌った。「山登りより、渓流釣りより、頬に頬寄せるほうが何倍もスリリング」というロマンティックな世界観を情家は鮮明に、そして感情豊かに歌い上げる。

冒頭の音像、ベース、ドラムス、ピアノの位置。ベースとドラムスは中央に、ピアノはやや右よりにポジションする。ピアノはF Dm Gm C7の循環コードのみで、ベースが音階を刻む。まずこの音階が明瞭に聴けるかがポイント。ベース輪郭は締まりすぎてもだめ。ここはピラミッド的なF特バランスだが、開放的に、活き活きと弾んでいる。歌が始まると、ヴォーカル位置は中央。ベースとドラムスは重なり、ヴォーカルの後ろに来る。

再生の大事なポイントがヴォーカルの質感再現。情家みえのヴォーカルのもつ微少なニュアンス感の表現が可能か。歌詞に込めた想い、メロディラインに込めた想い、そして一音一音に込めた想い、さらに余韻に籠もった感情。これらを総合して、歌の想いを豊かに再現できるか。情家は歌い回しのテクニックが上手い。プロデューサー的に言うと、ヴォーカルの冒頭のHEAVENはあえて、"雑味"を入れている。味わいの演出だ。

I’m in heavenの優しさが対照的に表現できるか。So that I can hardly speakの"speak"のこぶしが情家の持ち味。2回目のHeavenはたいへん滑らかだ。後半のサビのDance with me I want my arm about you That charm about youの韻を踏んだ"arm"と "charm"の円弧を描くような声の舞が嬉しく再現できるか。

山本剛のピアノとの絡みが特にスリリングだ。ヴォーカルとの濃密な絡みの面白さが表現できるか。ピアノが待ち構え、ヴォーカルに続いてリフを入れる流れが続く。ピアノがヴォーカルに呼応。ヴォーカルの感情や躍動感を上手く捉えて、ピアノが対話する。演奏している空間で生まれたその時だけの対話だ。

そんなヴォーカルとピアノの濃密なコミュニケーションが、わくわくしながら聴けるか。ピアノの転がるようなラブリーさが再生できるか。

間奏の主役を張ったピアノの強靭でクリヤーで深いタッチ感が生々しく再生できるか。

傅 信幸先生

ベテラン・ミュージシャンの出すサウンドは、温かい。それに、しなやかでありスムーズだ。

とてもリラックスして聴けるトラック：1が課題曲になったので緊張して聴くことになった参加者のみなさん、まずはリラックスしてこの演奏の雰囲気を掴もう。

ベテラン・ミュージシャンの演奏に静かなる凄みがあることを伝えてきても、ピアノトリオがそれぞれゴツゴツと骨太の音像で自己主張してくることはない。ヴォーカルの音像には注目して、口元を大きくすることなくピタリとフォーカスを決めよう。

課題曲の歌い出しはほとんどヴォーカルとウッドベイスのデュエット。

明瞭なヴォーカルをウッディーなベイスがリズミカルに支えてくれるように調整、グッドラック。

潮 晴男先生

ピアノが刻むリズム、ベースの切れ、ドラムのブラシの音、それぞれのテイストをバランスよくまとめる。

情家のボーカルはリズミカルな中にもしっとりとした情感を込めて表現してほしい。

ボーカルはセンターに定位させてあるが、その音像が浮かび上がるように描きだしてほしい。

また情家のボーカルはアルトらしく深みを持たせて、ただし高域に向かって欲張ると雑味が増すので要注意。

間奏に入ってからのピアノはしっかと描き出す。ドラムはブラシからスティックに持ち替えるのでその変化も捉えたい。

ベートーヴェン: ピアノ協奏曲第1番&交響曲第1番

Track 7「ピアノ協奏曲第1番ハ長調 作品15第3楽章: Rondo.Allegro scherzando」

小原由夫先生

室内管弦楽団という点がミソ。すなわち、スケールの大きなシンフォニック的再生にしてしまうと、独善的解釈と判定されかねない。

それでいて迫力があるのは、さほど広くないホール（座席数は最大680席）で控えめな反響／残響で捉えたと思しき録音から感じ取れる。ステージににじり寄ったようなピアノの比較的大きめな音像と、楽団との一体となった“軽やかなドライブ感”が再生の肝となりそう。

アルゲリッチの卓抜したテクニックばかりが目立たないよう、跳躍するような旋律が鮮明に見通せるよう再現したい。

和田博巳先生

軽快にして溌剌としたロンドだが、低域を比較的すっきりと仕上げた録音なので、無理に重厚なバランスに振らない方が良いだろう。主役のピアノはセンターから左にかけて定位するが、弦楽の一団も左側に位置しているので、おだんごになりやすい。

そういうこともあってステージの広がりをうまく感じさせるのは簡単ではなく、無理に広げるとステレオイメージが損なわれる。

というわけで定位はあまりいじらない方が得策と思われる。

長谷川教通先生

同じピアノでもこれほど違うか！と感じるでしょう。もちろんスタジオセッションとステージのライブでは条件も違います。でも、ピアノの音色に対する感覚の違いが面白いのです。アルゲリッチは1音1音を明確にしながら、連なる音の均一性やそこから生まれる響きを大切にします。

彼女の演奏会に出かけたことがある人ならわかるでしょうが、ステージ袖から姿を現したと途端ガラッと雰囲気が変わります。そのオーラがすごい。弾き出すとまろやかさと芯の強さが一体となったタッチ、そしてフワッと漂いだす響きの美しさに圧倒されます。

オーディオでそこまでの再現は無理……ですが、狙う方向はそこです。おそらくハンマーのフェルトは少しだけ柔らかめに整音しているでしょう。中音域のコツコツといった打鍵の質感。ところどころに入るアクセントの妙。あざとさとは無縁の自在な表現です。昨年課題のチョ・ソンジンとはまったく違うピアノです。

オケは40人足らずの中編成。小澤は腕利きたちを統率して、弦の各セクションを際立たせるのではなく、それぞれをシームレスにつなげた響きの帯を作り出しています。響きの帯の中で浮き沈みするフレーズの面白さも、再生にあたってのポイントとなるでしょう。

麻倉怜士先生

マルタ・アルゲリッチ/小澤征爾/水戸室内管弦楽団という当代随一の組み合わせによる音楽の生命力の発露が聴きどころであり、再生の方向性だ。

アルゲリッチならではのハイエネルギー感、瞬発力、強靭なタッチ感がいかに表現ができるか。どんな速いパッセージでも、一音一音が輪郭を持ち解像度高く確実に描けるか。冒頭のピアノが第1テーマをエネルギッシュに紹介した次ぎに、オーケストラが猛烈な勢いで、同じテーマを奏するがこの時、トゥッティのトータルエネルギーの量と質が大切。勢い余って粗くなってはだめ。名人揃いの水戸室内ならではのオーケストラの各パートの質感も聴きどころ、再生しどころ。

傅 信幸先生

客席数700ほどのあまり広くはないホール、しかし短いながら響きは明瞭で美しく伸びて行く。コンパクトな音場で楽器同士の音像が立体的に浮かぶ。ピアノの音像は左右に大きく、しかも前にせり出している。

課題曲の第三楽章はアレグロで、まさに闊達に綴られ、よく弾む。打音を明るく際立たせたくなるであろうところに罠がある。

オーディオで言う、ワイドレンジ感、メリハリや迫力は、元からこの演奏この録音にはない。

冷製になって繰り返し聴き、絶妙に軽いタッチのピアノを流麗に転がる音で綴ってくれたまえ。

潮 晴男先生

水戸芸術館のコンサートホールにおけるライブ収録だが、客席数は600、残響時間は1.6秒とそれほど長くはないため自然な響きで再現されるように気を配る。

第三楽章は軽快なロンドなので、アルゲリッチの流れるような指さばきと闊達な音色を描き出したいが、華美にならずフォルテでも各楽器の音の分離感を残す。

弱音部においても音の表情を失うことなく丁寧に再現することが肝要だ。

またオーケストラの音の広がりとピアノの定位にも気を付けたい。