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ayuko

5歳の時、初めて見たマイケルジャクソンの公演で感銘を受け、音楽に興味をもち、中学卒業後単身留学。カナダでジャズピアニストPeter Taylorのグループに参加し、ホールコンサート、教会、クラブなどでヴォーカル活動を行う。その体験からソウルフルな唱法を身につけ、それが現在につながっている。

帰国後、幼少から入門していた和太鼓軍団『武蔵流龍神太鼓』の推薦を経て、埼玉県公認指導員の資格取得。和太鼓奏者として長野オリンピック、埼玉ワールドカップ、ニューヨーク同時多発テロ・ チャリティーコンサート・イン・セントラルパークなどに参加。

2006年、金丸俊史率いるwings international corporation後援により都内各所ライブハウスで本格的に活動開始

2007年、都築学率いるブラジルバンド『Conexao Rio』のメインボーカルに抜擢。

2010年に学習院大学を卒業、翌2011年、NO!ジャンルVocal Pop Unit『Little party』を結成。カバー曲やオリジナル曲など、ジャンルに囚われないバンドとして活動を展開。

2015年、1stアルバム「Can we do it?」≪メンバー：浅川太平(p.arrange)工藤精(wb.eb)古木佳祐(wb.arrange)加納樹麻(ds)guest:大儀見元(per)岡部洋一(per)≫をaudio fab recordsよりリリース。CDはjazz japan,latina,ジャズ批評等多くのメディアで独自の世界観を持つアーティストとして取り上げられる。

2017年、クルトワイル集となる2ndアルバム「Naked circus」《メンバー：浅川太平(p.celesta)竹内直(ts)ゲスト：齋藤徹(wb)》を再びaudio fab recordsよりリリース。

現在、日本語の歌曲をジャズにアレンジした”Jazzpanese"、絵画のようにサウンドを構築する”Drawsongs”など、さまざまなユニットを意欲的に立ち上げている。

和のリズムと洋のリズムを兼ね備えた異色のボーカリストとして全国を回り精力的に活動中。

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Diana Panton / Blue

Track 2「Yesterday」

小原由夫先生

恋愛を歌ったD.パントンの「Pink」「Red」に続くカラー三部作のラストが本作「Blue」。失恋や傷心といった悲恋を歌った曲で占められており、元より可憐でチャーミングな印象のパントンの声質ゆえ、惜別を歌うと余計に哀切感が強調される感がある。

テンポはオリジナルのビートルズに比べて若干遅めだが、ほぼ忠実になぞっている。音像サイズは決して小さくないが、絞りすぎない程度の大きさにして、潤んだ瞳や唇が見えそうな感覚だ。リアルでセンチメンタルなその様子に、右手側からピアノのメロディーがそっと寄り添い、慰めるようだ。他の伴奏陣はギターにベース、弦楽隊。素朴でシンプルなムードを尊重して再生したい。

山之内正先生

抑揚を抑えながらしっとり歌うヴォーカルの表情を誇張なく引き出すことが重要で、声がドライなタッチにならないように柔らかさと潤いを確保することも意識したい。アンサンブルのなかで唯一ピアノがヴォーカルと対等に近い重要な役割を演じるが、主役はあくまでヴォーカルなので、バランスが逆転しないように注意すること。ピアノの高音部の音量と音色は少し控えめなぐらいがちょうどいい。ヴァイオリン、ギター、ベースはヴォーカルとピアノよりもさらに一歩下がるようなバランスが望ましく、歌の表情が際立つように追い込むことをお薦めする。最小限の編成ならではの見通しの良さを確保し、一音一音の質感を大切にすることも重要だ。

土方久明先生

高音質レーベルの2XHDから発売されているタイトルということで音質は良好だ。ボーカル曲ということで、センター定位する音像表現を求めつつ、比較的暖色のバックミュージックと比較的シャープなディテールのボーカルという質感的なコントラストを求めたい。T/Aも含めて上手に調整されていると優しく感情豊かなボーカルが表現できるはず。ピアノの質感については、透明感、適度な弾力感と音色を求めたい。また、ギターの質感とフォーカスも重要な聞きどころだ。0：26前後から入ってくる重心の低いベースは、バックミュージックに対する音量バランスと低域の分解能を確認されるが、もう1つの課題曲（クラシック）に含まれる低音楽器のバランスを取るのが難しい。また、本タイトルはただのジャズボーカルではなくペンデレツキ・ストリング・カルテットという弦楽四重奏がメンバーに入っているところがポイントで、4本の弦楽器の質感や、ボーカルや他の楽器とのレイヤー感の表現が特に上位クラスでは大切になるはず。

峯岸良行先生

ダイアナ・パントンの10枚目のアルバムは、三部作の集大成として高い評価を受けています。 2xHD独自のマスタリングは、DSD収録後にPCMに変換するDXDプロセスを使用し、高解像度の音質を実現しています。 収録にはMerging TechnologiesのHorusコンバーターも活用されています。

アルバム内の2曲目『Yesterday』は、ビートルズの名曲を、ペンデレツキ・ストリング・カルテット、指弾きガットギターのゆったりとした音色でカバー。それぞれの楽器の特徴を、適切に感じることが望ましいです。 左右の特性が十分に一致すれば、明瞭な定位感と、包まれるような音響体験が同時に期待できます。 再生の質を向上させるためには、位相特性と振幅特性がフラットで、共振や共鳴が最小限に抑えられることが重要です。 歪みの少ない再生をここがけることで、音色の正確性を得ることができます。 特に、200-500Hz帯域は、この楽曲のヴォーカルの基音であるため、再生においての重要なカギとなります。

ロサンゼルス・フィルハーモニック, グスターボ・ドゥダメル / ドヴォルザーク：交響曲第7・8・9番

Track 11「Dvořák: Symphony No. 9 in E Minor, Op. 95, B. 178, "From the New World" - III. Scherzo. Molto vivace」

小原由夫先生

南米出身のデュダメルと、彼が音楽・芸術監督を務めるロサンゼルス・フィルハーモニー管弦楽団との収録で、彼らの根城、ウォルト・ディズニー・コンサートホールでのライブ録音。「新世界より～」の副題は、チェコ（ボヘミア）出身のドヴォルザークが、1892年にアメリカの学校に院長として招かれて3年間を過ごし、故国を懐かしむ郷愁的な心情が込められている。

第3楽章に掲げられた「モルト・ヴィヴァーチェ」とは、伊語で「たいへん活発に、とても元気に」という意味で、従って躍動感やエネルギー感を意識してほしい。迫り来るような弦と管の重奏でテーマメロディが奏でられ、ファゴットやオーボエ等の木管類の響きは奥行きを感じさせる。トライアングルやティンパニ等の打楽器は、ステージ奥の方から明確にリズムを提示する。特にティンパニの連打を怯ませず鳴らしたい。転調してからの牧歌的な旋律との対比を含め、重厚かつダイナミック、立体的な3分弱の演奏を期待したい。

山之内正先生

ホ短調、4分の3拍子。消え入るように第2楽章が終わり、緊張に満ちた第3楽章がいきなり大音量で始まる。その強烈なコントラストを意識しておくと、この楽章の意味を理解しやすいはずだ。ティンパニが8分音符と4分音符で刻むリズムの歯切れ良さを引き出すことが最も重要なポイントで、弦楽器もヴァイオリンからコントラバスまでスタッカートの音符の短さを正確に再現し、重くなりすぎないように切れの良い低音を再現することが求められる。5〜7小節に現れる短いフレーズはそれぞれチェロ、ヴァイオリンでも演奏できる音域だが、あえてコントラバスとヴィオラが弾くことで緊張を引き出しているので、それぞれの音色を正確に再現したい。抜群の演奏効果を発揮するトライアングルは左右と前後それぞれ正しい位置に定位することが望ましい。

土方久明先生

まずは、高音域から低音域までの帯域バランスと透明感や音場の広さなど、ソース音源へ対する忠実度を確認し、その上で、フォーカスと情報量を求めたい。0：09付近から始まる静寂感の中では、楽器のリアリティと実体感、さらに聴感上のSN、楽器の位置関係が確認できる。0：19から音楽的な盛り上がりを見せるので、改めて抑揚表現が確認される。この時、低域の量感が弱いとコントラバスなどの低域楽器が軽くなってしまい壮大さが出ないし、逆に低域の量が大きすぎたり分解能が悪いとリズムが鈍重になる。また、ダイアナ・パントンのベース表現（量感）とのバランスも必要とされるだろう。本楽曲の大きな聞きどころとして、右チャンネルから聞こえるティンパニーのアタック感の表現が挙げられる。存在感が希薄にならないようにしっかりと表現したい。本タイトルは、楽曲を通してサウンドステージの左右バランスと楽器の位置関係を確認される。個人的には2：40付近までがが勝負だと認識しており、その間に合計4回発生する壮大な表現部分と、3回の静寂部分それぞれの表現力が勝負を分けるポイントだと思う。

峯岸良行先生

指揮者グスターボ・ドゥダメルとロサンゼルス・フィルハーモニックは、2021年に最優秀オーケストラ演奏賞、2022年に最優秀合唱演奏賞と連続してグラミー賞を受賞しました。 その彼らが、2020年2月にウォルト・ディズニー・コンサートホールで行った演奏を収録した新作、『ドヴォルザーク：交響曲第7番～第9番』は、後期交響曲の傑作3作にドゥダメルの力強い解釈が感じられます。

収録の際には、ステレオペアメインマイクと、楽器に近接したスポットマイクを組み合わせてバランスを調整し、適切なミキシングを行います。

このようなスポットマイクの活用や編集の手法は、パーカッションのトライアングルの音色の変化から垣間見ることができます。 本作では、トライアングルの音量が、演奏の強弱に関わらす均一になっていますが、一部の箇所では、左右の相関によりセンター付近に点音像を持ち、別の箇所では無相関となって、広がり感のある音像を生み出しています。

再生においては、ライブ録音の独特の臨場感と、ノイズも含んだ環境を再現するため、注意が必要です。 低域から高域まで、全ての帯域で位相と振幅のバランスが崩れず、音量の大小に関わらず音色の一貫性を保つことが大切です。 また、ホールトーンや音の包まれ感も確保しつつ、位相のずれにも留意する必要があります。

アンドレア・バッティストーニ, 東京フィルハーモニー交響楽団 / プロコフィエフ：「ロメオとジュリエット」組曲、ピアソラ：シンフォニア・ブエノスアイレス（日本初演）

Track 3「シンフォニア・ブエノスアイレス Op.15 III. Presto marcato〈日本初演〉」

生形三郎先生

ライブ音源ながらの緊張感や疾走感、そして、収録音が特長的な課題曲です。

音色バランス的には、冒頭で定期的に打ち鳴らされるグランカッサ（大太鼓）の40Hzのピークを下支えに、強奏時は100～400Hzくらいまでのエネルギーが特に豊富です。よって、低域や中低域の飽和や混濁には十二分な注意が必要です。また、20Hz付近には常時暗騒音が含まれていますので、それも臨場感を形成します。さらに、超高域方向は打楽器や金管楽器が重なる強いアタック部分では40kHz程度においても比較的大きなエネルギーが収録されており、そのあたりは高域の抜け感や会場の音場感にも関わりますので、このライブ音源ならではの臨場感の再現に重要な要素となり見逃すことが出来ません。

音像は、楽器個々のフレージングにもフォーカスがある近景の姿を中心に幾重にも重なり合っていますので、再生システムの定位再現をしっかりと調整して複雑な像の重なり合いとディティール再現の両立を追求しましょう。

ダイナミックレンジも広大ですので、システム全体の過渡応答性も肝となるでしょう。特に先述した大太鼓の力強いピークや、金管楽器が奏する際の強いアタックに、しっかりと立ち上がりや立ち下がりが追従できないと茫洋な再現になってしまいます。

以上の点に留意し、冒頭に述べたライブの緊張感や疾走感、そして楽曲や演奏の持つ緊迫感を魅力的に再現しましょう。

岩井喬先生

臨場感に溢れたステージ表現で、左右・奥行きともに広がり良く、この音場の自然な空間性、重層的な前後感をいかに分離良く聴かせるかが勝負であろう。第三楽章は激しい展開の連続で、緩急をつけたフレーズが波のように次々と押し寄せてくる。まず冒頭からの太鼓系の連打によって、その低音域のエナジー溢れる量感とアタックのキレとのバランスをみたい。さらに後に続く弦楽器パート、金管楽器パートとの対比、楽器ごとの粒立ち良い描写性を引き出せるかがカギとなる。特に30秒から金管楽器、マリンバが加わるが、その分離と純度感、適切な音量差によって強調しすぎないことも肝要だ。怒涛の如く迫る展開の僅かな間隙を縫うように、49秒あたりに聴こえるピアノ、1：06周辺からの木管パート、1：36からのピアソラならではの展開といえる2台のバンドネオンの存在も埋もれさせず、強弱の抑揚を保ち、立体的に表現したい。中盤4：01周辺からのヴァイオリンソロも弦の鮮度感、潤い、際立ちをキープしつつ、前に出すぎず適度な距離感を保った描写が求められる。

秋山真先生

日本初演ということもあり、聞き馴染みの無い楽曲かもしれないが、チャレンジクラスの課題曲とは思えないほど再生難易度は高い。大前提として要求されるのは、システム全体の基礎体力だ。まずは、冒頭から轟く打楽器の低音を、混濁させることなくローエンドまでしっかり伸ばせるか。サブウーファー帯域が後部座席から遅れて聞こえてくるのはもちろんNGであり、前方から後方へ押し寄せる重低音の波として再現できるか。それと同時に、パルシブな金管楽器や木琴の立ち上がり、俯瞰で捉えたピアノや木管楽器の響きを、低域の海に沈み込ませることなく浮かび上がらせることができるか。嵐が過ぎ去ったあとの中盤は、バンドネオンや弦楽器のむせび泣くような音色をどこまでナイーブに表現できるか。さらには、個々の楽器がどこに定位しているか、正確なステージング能力が問われる。終盤はフィナーレに向けて疾走感と緊張感がどんどんクレッシェンドしていくが、途中で息切れすることなく、若きバッティストーニの指揮にしっかり追従して完奏（完走）を果たしたい。

折原一也先生

2021年に国内初演となったセルゲイ・プロコフィエフによるタンゴの形式とクラシックとの融合を目指した課題曲。ダイナミズム溢れる楽曲の再現、そしてメロディアスな旋律、これらの両立がテーマである。

前者のポイントは、曲の冒頭から怒涛の如く展開される1分35秒。ティンパニと弦楽器、重厚な低音からステージへと展開していく様をダイナミックかつ高解像に表現してほしい。特にリズムを刻む500Hz以下の周波数帯域で、時間軸における分解能の重要度が高く、木管・金管セクションが加わって以降は、全帯域の分解能が求められる。音数が増えた後は、楽器を立体的な音の定位で描き分けることがポイントだ。

後者の聞き所は楽曲4分～以降。低域のない静かなパートで弦からバンドネオン（アコーディオン）へと移行していく旋律の再現は、1kHz～の高域を歪まず、そして繋がり良く成立させる繊細さが求められる。

どちらかにフォーカスするのではなく、両立を目指したサウンドに期待したい。