hisaka / Secret Longing

Track 5「Valerie」

傅信幸先生

カーにしてもホームにしても、オーディオには、時代時代に対応した「歌姫」の存在がある。日本では、藤田恵美、手嶌葵、サラ・オイレン、そして井筒香奈江……。彼女たちの楽曲に共通しているのは、チャーミングな声、語りかけるように丁寧な歌い方、伴奏がとてもシンプル。録音は、空気感がたっぷりある音場のクリアーさが極上で、そこにONマイク（マイクロフォンに近い）でヴォーカルの音像が現れる。女性ヴォーカル版のオーディオ名曲である。

このSecret Longingのサウンドは単に綺麗に創られているのではなく、飾りがなく自然でかつシンプル & ストレート。なぜか土の香りがする、アンニュイなサウンド。課題曲（トラック5）右寄り定位のピアノ、左寄り定位のギター、そしてブラシワークによるドラム、とにかく伴奏が優しい。アタックを立てずに柔らかくて丸い。テンションが緩いのだ。センターに現れるヴォーカルもまた、鼻濁音のように口腔にフワーンと響く個性的で優しい声。カーサウンドをチューニングするみなさんは、この優しさにだまされてはいけない。シャキッとエッジを立てるのではなく、逆にボンヤリとこもらせてもいけない。絶妙に中間を行く音のバランスにまとめる。課題曲をいろいろなオーディオシステム（カー用、ホーム用）で聴いて、さて、中間を見つけ出し（聴き出し）たら、さあチューニングの始まりだ。

小原由夫先生

ピアノトリオにギターを加えたシンプルな編成のカナダ録音。踊りたくなるような陽気さが曲全体を覆う。ヴォーカルはチャーミングながら、要所でフェイクを効かせてサンバのリズムにアクセントをもたらしている。ベースの音が膨らみ気味で、ピッチがやや不鮮明なのは残念だが、ここでタイトに引き締めてしまっては都合よい独善的解釈になってしまう。忠実再生を心掛けるならば、ベースのブーミーさはそのまま出していい。ただし、中域から高域にかけてまで、ルーズで締まりのないだらしない音にしてしまっては本末転倒。瑞々しい声質を活かしながら、柔らかな弾力感をうまく醸し出したい。

山之内正先生

パーカッションのアタックとリリースを正確に再現し、リズムが重くならないように注意。ベースはエアーの動きが見えるような音を目指す。ヴォーカルがどの音域でも歪まずに伸びやかさを保つことも重要で、特に低音域で音像が広がりすぎないようにしたい。伴奏楽器ではピアノを抜けの良い音で再現することと、ギターが刻むリズムが粘らないように注意したい。

鈴木裕先生

プロデューサーはベーシスト（ジョージ・コラー）でもあるが、そのベースをあえてソフトなトーンに捕捉してミックス。これがボケすぎるとこの曲のグルーヴ感が出てこない。また音域的にはベースと重なっているタイコとの描き分けも欲しい。大事なのは中高域のパーカッション類と合わせて、リズムの気持ちよさを感じさせられる点。そしてマイクに対して若干近いピアノは、響きが少なめで、ちょっと音の質感が他の楽器と違うのでこれもポイントになるだろう。もちろんヴォーカルの清楚でありつつチャーミングな音色感や、エフェクターの少ない細身のニュアンスなど、微妙なサジ加減の要求される楽曲だ。

土方久明先生

まずは第一印象を大きく左右する、原音に忠実なトーンバランスと曇りのない透明感のある音を求めたい。カナダ録音ということで国内録音と違う独特の質感があり、そこを如何に表現できるかがオーバーオールを上げるミソとなるだろう。もう一つの課題曲はソリストがいない交響曲ということで、音像の項目は必然的に本楽曲にウエイトが置かれるはずだ。ボーカルの口元が大きくならないように、声質にも注意しつつ、バックミュージックボーカルを立体的に描き分けたい。さらにボーカルの飛び出し方、いわゆる前後の定位にも意識を向けて欲しい。独特の質感を持つピアノがメロディを作り、ベースがサンバらしいリズム感を後押しするので、ベース（低域）の表現力も強く求められる。

ショスタコーヴィチ:交響曲 第6番 & 第7番、他

Track 4「劇付随音楽《リア王》からの組曲 作品 58a: 序奏とコーデリアのバラード」

麻倉怜士先生

曲の持つ緊迫感を見事に音楽的に描いた、ネルソンス/ボストン響の黄金時代を告げる名録音だ。ボストン・シンフォニーホールの豊穣なソノリティと、細部の音楽情報までまで屹立させるディテール再現とのバランスがポイント。フォルテのトゥッティでも、金属感や強調感があってはだめ。各パートが全体に埋没せずに、クリヤーに存在を聴かせるか。冒頭のオーケストラの厚み、重層感。シンバルの鋭さ、金管の尖鋭さと厚さがどう再現できるか。

オーディオ的なテクニックに加え、曲全体を覆う「暗さ」という感情も表現できなければならない。「絶望感」をどのように表現するか。劇的な中にも気品が感じられるか。1:46からのバラードでは、弦の伴奏に乗ってクラリネットがしっとりとした旋律を奏でる。その音像とバランス。

傅信幸先生

豊潤な響きを背景にして、繊細かつドラマチックな音色の乱舞が、見事に録らえた名録音。こんな難しい録音作品を課題曲にするとは、酷な提案だ。参加者のみなさんのご苦労が忍ばれる。

冒頭から管楽器のハーモニーの厚みと深さ、陰影のコントラストに圧倒される。この雄大にして偉大な曲の表現をテーマにして、ミニチュアとは言えオーケストラをクルマに持ち込むのは難作業だ。音場の広さだけを気にしていては物足りない。弦楽器群の定位が主に左右へ広がる音場に出現するのに対して、さて、管楽器群はどうだろう。左右よりも奥行きである。さあ、ここではもうアタマ切り換えて、響きに注意しよう。

奥行きの深みの中に階層となって前後に定位する管楽器群、さらにその奥に打楽器。奥行きの深みの表現とは、遠い音の表現だ。音像の遠さは響きの質と量とがもたらす。響きと言ってもカラオケのリバーヴではないのであって、柔らかくかつ重厚な響きを表現する鍵は、ローノイズさであり、微細な音の表現である。

小原由夫先生

まるで怪獣映画のサウンドトラック（サントラ）のようなダイナミックでスペクタキュラーな演奏。それもそのはずで、シェイクスピア作「リア王」上演のため1940年に作曲された、これはまさしくサントラなのである（初演は41年３月）。まずはサントラという音楽が劇においてどんな役割を持つかを理解することから始めよう。

全体は23曲から成るが、本アルバムには10曲が収録された。その導入に当たる課題曲の前半部の主役は、グランカッサやティンパニ等の多彩な打楽器群の強烈なリズムと、バスーンやトロンボーン、チューバ等の中〜低域を受け持つ管楽器の咆哮。そのパワーと重厚さにシステムは怯むことなく、雄大かつスケール感豊かに描きたい。これら主役の楽器がオーケストラの後方に配置されていることもお忘れなく。つまり、階層的な奥行き再現も大事ということ。そして「コーデリアのバラード」導入部（実際にここまで試聴時間に余裕があるかは微妙だが）での左後方から聴こえてくるピアノの存在感にも要注意。

山之内正先生

前半の重厚なサウンドと後半の旋律の美しさ、それぞれの良さを引き出すことが重要だ。前半はティンパニと低音楽器のリズムや音色が曖昧にならないように注意したい。どちらも音像が広がりすぎると動きが見えにくくなる。後半はクラリネットと弦のピチカートがバランス良く溶け合うとともに、クラリネットに付帯音が乗らず、弱音も含めて豊かな表情を漏らさず引き出すことが肝要。ピチカートの和声感、余韻の広がりも意識したい。

鈴木裕先生

ネルソン／ボストン響の組合せによるショスタコーヴィチは、従来のダークでモノクロームな感じやシリアスさといったイメージだけでなく、オーケストラの色彩感や本拠地であるシンフォーニホールの豊かでエネルギー感の高い音響とともに魅力的なプログラムになっている。その中からの劇付随音楽。低域のブラス類やティンパニーから始まるが、重厚さだけでなく、各パートの音像感やフレーズの抑揚、色彩感などが良く捕捉できている録音だ。マルチマイク収録でタイムアライメントを取ったミックスだろうが、やや左右に広めのサウンドステージ、あるいは天井方向の高さをきちんと再現したい。

土方久明先生

アンドリス・ネルソンスがここ数年で発表した一連の作品はグラモフォンレーベルの中でも、高域から低域までの幅（fレンジ）が広いのが特徴で、音色も比較的アグレッシブだ。しかも本楽曲は、シェイクスピア作の悲劇で使用されており、壮大かつ迫力ある曲調を持つ。クラシックではグランカッサやチェロなどの低音楽器の存在感が増して楽曲を盛り上げるので、その楽器が痩せないようにしっかりと聞かせることが大切。また交響曲ということでヴァイオリンやピアノなどのソリストが存在せず、聴かせどころとなる楽器を絞るのが難しい。そうなると、オーケストを構成する膨大な楽器を普遍的に表現する必要があり、絶対的な情報量と位相管理が求められる。サウンドステージについては、広く歪みがないようダッシュボードに対して並行に表現できればベストで、位相を合わせ、各楽器のフォーカスが甘くならないように構築して欲しい。さらに、楽器が持つアコースティックな質感がチープな電子楽器に聞こえないようにトーンバランスにも気を使って頂きたい。