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スーパー登山部

山岳会会員の小田智之のオリジナル曲を演奏するため結成。

現役大学生のHina（Vo）、KADOMACHIやソロ活動もお盛んないしはまゆう（Gt）、名古屋の殆どのアーティストを支えるベーシスト梶祥太郎（Ba）、中村佳穂BANDなどのドラマー深谷雄一（Dr）に、サポートメンバー小田智之（Key）を迎えライブを行っている。

各々がプロのミュージシャンとして活躍する傍ら、実際に登山活動も行っている。

Lizz Wright / Shadow

Track 2「Your Love（feat. Meshell Ndegeocello, Brandee Younger）」

小原由夫先生

ゴスペルをベースとしたソウルフルでスピリチュアルな歌唱が魅力のシンガー。その伸びやかで太い声を車内でどう再現するかが問われるが、ヴォーカルは明瞭に前に出てくる。決して細身の音像ではなく、鮮明な定位だ。ミシェル・ンデゲオチェロの粘気と芯のあるヘヴィなベースもキーポイント。その音階が克明に聴こえるように意識してほしい。ブランディー・ヤンガーの弾くハープとハンドクラップが音場内の少し後ろにあり、ギターのメロディといい感じに絡む様子もクリアーに出したい。

山之内正先生

リズ・ライトの低音域の太さと暗めの音色を忠実に引き出すことが最大の課題。ハープ、ベース、パーカッションがそれぞれ印象的なフレーズでサポートするが、あくまで主役はヴォーカル。歌詞を聴き取りやすい録音なので、その良さを活かすために声と他の楽器のバランスを適切に整えることを心がけたい。その上でギター、ハープ、ベースの音形が曖昧にならないように発音と音色を追い込み、立体的なサウンドに仕上げることが望まれる。

峯岸良行先生

リズ・ライトの「Shadow」は、ゴスペルを基調にしたソウルフルでスピリチュアルな歌唱が特徴の楽曲である。その最大の魅力は、伸びやかで太い声の表現力にある。ヴォーカルは倍音豊かな音色で明瞭に前に出てくるとともに、Plate系、Room系のやや強めな空間エフェクト成分がリスナーを包み込む。

粘り気と芯のあるヘヴィなベースラインが楽曲の基盤を支える。ミシェル・ンデゲオチェロによる、ベースのフィルは、ところどころ、モジュレーションで左右にひろげてあるのが面白い。ドラムは控えめな表現ながら、ややLRの位相がずれた、スネアとキックドラムが不思議な音像で響く。トレモロとコーラスでLRいっぱいに広がったエレピとオルガン、ブランディー・ヤンガーのハープと、ギターのメロディとが正確なリズムで美しくレイヤーされている。

再生においては、リズ・ライトの太くスピリチュアルな声を明瞭に前に出すことが重要である。やや歪みっぽいミックスであるが、そのままモニター的に再生しても良いし、低域に関しては、量感豊かに再生することが重要で、ミシェル・ンデゲオチェロのヘヴィなベースラインの音色をしっかりとその粘り気を損なわないように再生することが求められる。またステレオで近接収録されているハープとハンドクラップの絶妙な空間配置を再現し、ギターとハープとが絡み合う音場の立体感を保つことが重要である。

岩井喬先生

ゴスペルシンガーでもあるリズ・ライトのソウルフルで存在感のあるボーカルの逞しさ、芯の厚み、安定感を引き出したい。コーラスとの重なりは各々の声の厚みと分離の良さも求められる。リヴァーブ感は少なめであり、声や楽器の音色はドライな傾向のため、色付けなく表現したいところ。ドラムセットは奥へ定位しており、キックドラムのファットなアタックや余韻、音像の周囲にあるエアー感もすっきりと聴かせたい。ミシェル・ンデゲオチェロによるファンキーなベースと、ブランディー・ヤンガーによるハープなど、耳に残るパートも多く、それぞれ丁寧な描写が必要とされる。中央に定位し、一定のフレーズを繰り返すエレキギターのミュート音や、クリーントーンギターの音色がハープとも近く、これらの楽器との描き分けができるかどうか。また電子ピアノに加え、後半になると奥にハンドクラップやオルガンも重なってくるので、それぞれが混濁せず、立体的かつ重層的に描けるようにしたい。

Rimsky-Korsakov: Scheherazade, Op. 35 - Mussorgsky: Night on Bald Mountain

Track 5「Night on Bald Mountain (1867 Version) [Live]」

小原由夫先生

私たちが知っている「禿げ山の一夜」と比べて、打楽器の使い方がたいそうダイナミック（というか派手）。特にティンパニの打音は強烈かつ狂暴。コントラバスのリズムも然りで、それらの響きが鈍重にならないよう心がけたい。トランペットやトロンボーン、チューバを軸とした管楽器の響きも、劈くように凄まじい音色。弦の合奏は、サウンドステージを切り裂くように激しい緩急で動き回る。演奏は全体に硬質なムードだが、それがやかましかったり、うるさく感じられないよう再生するのは至難の業かも。そうした印象を抱かせずに３分辺りまで聴ければベスト。

山之内正先生

作曲家がイメージした光景の異常さを想像しながら粗野でストレートな曲調を正確に再現することが課題。R.コルサコフ編曲版のような密度の高いハーモニーは楽譜に書かれていないので、荒々しいリズムと鋭い旋律をそのままダイレクトに再現するのが正解だ。「サバト（魔女の饗宴）」の奇怪な情景を想像するにはベルリオーズ「幻想交響曲」の第5楽章が参考になる。手前に展開するヴァイオリン群とステージ奥のティンパニ、金管楽器群の距離感を再現することも重要。

峯岸良行先生

ムソルグスキーの「禿げ山の一夜」（1867年版）は、力強くダイナミックな打楽器と鋭い管楽器の響きが特徴だ。ティンパニやコントラバスのリズムは圧倒的で、トランペットやトロンボーン、チューバの音色も鋭く印象的である。弦楽合奏は激しい緩急で動き、全体に硬質なムードを醸し出す。この演奏は、各楽器の位置関係や空間表現が明瞭で、特に低域パートと管弦パートのエネルギッシュな描写が求められる。これにより立体的で重層的なサウンドが楽しめる。

2019年のライブ録音で、ローマ・サンタ・チェチーリア国立アカデミー管弦楽団とアントニオ・パッパーノの長年の信頼関係が生み出したダイナミックなサウンドが特徴だ。特に低域パートの量感や、管弦パートのエネルギッシュな表現が際立ち、各パートの位置関係も明瞭に描写されている。トライアングルやシンバル、ティンパニ、タンバリンの定位も明確で、左右チャンネル間の繋がりもシームレスだ。

この楽曲の再生においては、空間表現の微細な部分まで引き出すことが求められる。

打楽器の強烈な響きを活かしつつ、ティンパニやコントラバスのリズムが鈍重に感じられないように注意が必要だ。また、管楽器の鋭い音色が耳障りにならないようバランスを取り、弦楽合奏の激しい緩急を再現することが肝要だ。ステージ奥のティンパニや金管楽器群と、手前のヴァイオリン群の距離感をしっかり再現し、全体のバランスを保つことが求められる。

岩井喬先生

ローマ・サンタ・チェチーリア国立アカデミー管弦楽団にて18年間音楽監督を務めたアントニオ・パッパーノ。その長年の信頼関係が生み出したダイナミックな演奏である。これは2019年にライブ録音された『はげ山の一夜』（原典版）で、荒々しく迫る低域パートの量感、それに負けないエネルギッシュで鮮度の高い管弦パートの描き分けがポイントとなろう。マイクと楽器との距離は近い印象で、各パートの位置関係も明瞭だ。特にアクセントとなるトライアングルは左側、シンバルは右側、ティンパニやタンバリンは中央付近に適度な広がりを持って定位する。左右チャンネル間の繋がりもシームレスであり、奥行き方向の音場感もしっかりと細く。鮮やかに浮き立つ金管パートや力強い弦楽器パートの直接的な描写だけでなく、この空間表現の機微が引き出せるかが勝負だ。おどろおどろしい大太鼓の強弱つけた連打のニュアンスと弦楽器の低音パートにおけるピチカートの粒立ちなど、低域方向の階調性、見通しの良さも重要となる。

ラフマニノフ:交響曲第2&3番、交響詩《死の島》

Track 9「Rachmaninoff: 交響曲 第3番 イ短調 作品44 - 第3楽章: Allegro」

土方久明先生

クラシックのオーケストラが課題曲に上がることは多く、分解能や壮大さ、歪みのないステージ表現、各楽器の位置関係の提示など基本となるポイントについては都度書かせてもらっている。その上で本楽曲の“聞かせどころ”を考えたとき、改めて楽曲のこと、楽団と指揮者の立ち位置や特徴について考えてみたい。

セルゲイ・ラフマニノフの手により1936年6月6日に完成した交響曲で、「第3楽章: Allegro」は第1楽章同様にエネルギッシュな音楽性を持ち、スタートから躍動感溢れ途中様々な副主題をはさみつつフィナーレを迎える。そして演奏するフィラデルフィア管弦楽団の本拠地はアメリカだ。「フィラデルフィア・サウンド」と言われる「ゴージャス」な音色を持ち味の1つとしている。指揮者のヤニック・ネゼ=セガンは2012/13シーズンから同楽団の第8代音楽監督に就任、オーケストラに君臨するタイプではなく、メンバーの一員でありオーケストラと協調的なスタイルを取りつつ、熱狂的な演奏をすことで知られる。そしてレーベルはドイツ・グラモフォンということで、解像感を高めたような極端なハイファイ調ではなく、その中で熱狂的でゴージャズな演奏を表現できるか否かがポイントとなるはず。

冒頭のトゥッティ（全ての楽器が同時に音を出す）は第一印象が決まる重要なパートで、分解能や低音楽器の沈み込みとアタック感をしっかりと出して、ダイナミックさと壮大さを演出して欲しい。細かい部分だと、低音楽器の左右の位置関係の表現には注意が必要だ。同時にヴァイオリンやトランペットなどの吹奏楽器の音色や質感も聞かれるはず。時間が短いものの演奏が落ち着く部分も各所にある、そこでは小レベルの音の表現を左右する、SN感や透明感も求められる。といいつつも、楽曲全体を通して抑揚が激しく、演奏のダイナミクスへの追従力を高めメロディアスに聞かせて頂きたい。

秋山真先生

2023年に生誕150周年を迎えたロシアの作曲家ラフマニノフ。彼の遺した交響曲で最も有名なのは「第2番」だが、今回の課題曲は「第3番」で、晩年の作品になる。どちらもアルバムに収録されているので、まずは両方を聴き較べてみてほしい。雄大なロシアの大地を思わせるスケール感という共通点はあるものの、ロマンチックな旋律が印象的な「第2番」に対し、「第3番」の明るく華やかな響きは、ハリウッドの映画音楽のようにも感じられるかもしれない。これはロシア革命後に米国に亡命し、ビバリーヒルズにも居住したというラフマニノフの心境の変化が如実に表れているように個人的には思う。

演奏はフィラデルフィア管弦楽団。e-onkyoのサイトにも書かれているとおり、ラフマニノフとは大変繋がりが深く、1936年の初演も当楽団によるもの。それだけに“華麗なるフィラデルフィア・サウンド”とのマッチングは最高で、ヤニック・ネゼ=セガン指揮による、生き生きと躍動しながらも一糸乱れぬ演奏は見事という他ない。

昨年の課題曲が、瞬発力や持続力といったオーディオの基礎体力を問うものだったので、今年は難易度が下がったように感じられたかもしれないが、とんでもない。求められるものは一つ上の次元の調整だ。各ユニットをこれまで以上にシームレスに繋げることは大前提。目指したいのは、フロントガラスをワイドスクリーンに見立てた視覚的体験だ。それも、各楽器が見えるだけの“サウンドステージ”ではなく、曲の展開に合わせて眼前の光景が移り変わっていくような“ランドスケープ”である。できれば事前に、B&W 800D4シリーズのような超視覚的再生をするスピーカーで聴いておくことをオススメしたい。重要なヒントがたくさん得られるはずだ。（長文失礼）